Canta y no Llores Corazón

Año: 1925

Duración: 50 minutos

Dirección: Juan Pérez Berrocal

Producción: Apolo Films, Bartolomé Giraudo

Guión: Juan Pérez Berrocal

Fotografía: Gustavo Bussenius

Interpretes: Juan Pérez Berrocal, Clara del Castillo, Tomás Medina

Sinopsis

Fresia es una joven hermosa e inocente que vive junto a su anciano padre y su hermano en una rica hacienda del sur de Chile. Fresia al conocer al hijo del dueño de la hacienda se enamorará de él, ignorando no sólo que el padre de éste se hizo rico quitándole la fortuna al padre de ella, sino que también que su nuevo amor sólo la verá como otra conquista pasajera, lo que dará la oportunidad a su hermano para recuperar la honra de la familia.

Reseña

“Canta y no Llores Corazón” forma parte, junto a “El Húsar de la Muerte” (1925) de Pedro Sienna y “El Leopardo” (1926) de Alfredo Llorente, del pequeño grupo de películas chilenas rescatadas y restauradas del período mudo de nuestra cinematografía.

Realizada por el actor español avecindado en Chile Juan Pérez Berrocal, quien debuta en la dirección con este filme en donde también oficia como guionista y protagonista. “Canta y no Llores Corazón” fue realizada en Concepción y responde a la estructura del melodrama, como bien se infiere del subtítulo que sigue al nombre de la película: “o el precio de una honra”. La película fue tuvo su preestreno el 23 de diciembre de 1925 en el Teatro Rialto de Concepción, para ser estrenada oficialmente el 28 de diciembre del mismo año en el Teatro Victoria de Santiago. El filme obtuvo el beneplácito del público y la crítica tanto en Santiago como Concepción, donde tuvo su estreno oficial el 11 de febrero de 1926. Pérez Berrocal seguiría con su labor cinematográfica, oficiando como director y protagonista de los filmes “Destino” (1926), “Vergüenza” (1928) y Hombres del Sur” (1939), además de la película “Una Canción de Amor” (1930), la cual dirige pero no protagoniza. Lamentablemente los filmes de Pérez Berrocal permanecen perdidos, destino que también hubiese tenido “Canta y no Llores Corazón” si no hubiese sido por el trabajo de un grupo de audiovisualistas de la Octava Región integrado por Rodrigo Sáez, Francisco Inostroza y Marcia Orellana se dieron a la tarea de investigar y hallar el filme, el cual encontraron en una bodega del Teatro Concepción. Gracias al apoyo del Fondart Regional del año 2002 se pudo realizar la restauración del filme, proceso a cargo de Carmen Brito y que contó con la participación del músico Edgardo Campos en la composición de la música original que acompaña al filme.

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Caluga o Menta

Año: 1990

Dirección: Gonzalo Justiniano

Producción: Arca Ltda., TVE, Filmocentro

Guión: Gonzalo Justiniano, Gustavo Frías, José Andrés Peña

Fotografía: Gastón Roca

Montaje: Claudio Martínez

Música: Jaime de Aguirre

Duración: 103 minutos

Interpretes: Mauricio Vega, Aldo Parodi, Patricia Rivadeneira, Luis Alarcón, Mauricio Pesutic, Luis Cornejo, Remigio Remedy.

Sinopsis

Un grupo de jóvenes pasan los días en los barrios marginales de Santiago consumiendo drogas, robando o prostituyéndose para conseguir dinero.

Reseña

Gonzalo Justiniano realiza en 1990 la que sería su película mas recordada, “Caluga o menta”, donde refleja el hastío de la juventud de fines de los ochenta.

El film es un fresco del cotidiano de los barrios populares de un Chile en democracia pero absolutamente herido tras la dictadura: jóvenes cesantes, adictos a la droga para pasar el rato, que no tienen cabida en una sociedad de consumo y que no tienen tampoco oportunidades reales para insertarse en esta nueva sociedad democrática.

La película representa un cambio en la narrativa de época, donde las historias “amenas” dan paso a seres amargos, oscuros y que permanecen estigmatizados por los medios de comunicación. En esta línea se filma también “Johnny 100 pesos” de Gustavo Graef Merino, “Hay algo allá afuera” de Pepe Maldonado o “País de octubre” de Daniel de la Vega, todas unidas por un manto de desesperanza muy opuesto a los aires coloridos de la nueva democracia.

La película es ampliamente elogiada en el extranjero, obteniendo premios en New York y España.

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Caliche Sangriento

Año: 1969

Dirección: Helvio Soto

Producción: Alejandro Villaseca

Guión: Helvio Soto

Fotografía: Silvio Caiozzi

Montaje: Carlos Piaggio

Música: Tito Ledermann

Duración: 125 minutos

Interpretes: Héctor Duvauchelle, Jaime Vadell, Jorge Guerra, Jorge Lillo, Patricia Guzmán, Mario Vernal, Jorge Yáñez

Sinopsis

Película que retrata las duras condiciones en que los soldados vivieron la Guerra del Pacífico. Narra el ficticio recorrido de un grupo que se pierde en el trayecto de Ilo a Moquegua en pleno desierto.

Reseña

“Caliche Sangriento” es la película mas conocida de Helvio Soto, pero a la vez la más polémica de sus realizaciones chilenas. Filmada en el desierto de Antofagasta con la ayuda de los militares locales, posteriormente sería censurada por “herir la dignidad nacional”. La película, un abierto manifiesto pacifista, enrostraba las causas comerciales de la Guerra del Pacífico, mostrando a un grupo de soldados chilenos perdidos en el desierto, muertos de hambre, sed, calor e incertidumbre.

Tras una álgida polémica, la película pudo estrenarse en octubre de 1969, siendo ampliamente renocida su calidad fotográfica y su manejo de la cámara, ambas realizadas por Silvio Caiozzi y la asistencia de Boris Pinkas. Caiozzi, en esos años un joven cineasta que recién arribaba al país luego de aprender las técnicas del cine en color en Estados Unidos, se transformaría en uno de los cineastas mas importantes del cine local. La película, filmado en clave de western, cuenta con numerosas anécdotas en su filmación, ya que fue realizada con un mínimo presupuesto y en muy pocos días de filmación, sumándose a las inclemencias del desierto: extremo calor de día, y extremo frío por la noche. La película fue un éxito en aquellos años, siendo exhibida posteriormente en el Festival de Cannes.

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Cachimba

Año: 2004

Dirección: Silvio Caiozzi

Producción: Andrea Films

Guión: Silvio Caiozzi, Nelson Fuentes, basado en el relato de José Donoso

Fotografía: Miguel Abal

Montaje: Silvio Caiozzi

Música: Osvaldo Montes

Duración: 142 minutos

Interpretes: Mariana Loyola, Pablo Shwartz, Julio Jung,

Sinopsis

Una comedia que ironiza sobre el mundo de la cultura en Chile, narra el descubrimiento de un antiguo pintor desconocido por parte de un amateur amante de la pintura.

Reseña

Por primera vez Silvio Caiozzi incursiona en el género de la comedia. Pero no cualquier tipo de humor es trabajado en este film, sino más bien una cuidada sátira al mundo cultural y el desconocimiento que abunda de grandes maestros del arte local.

La película, basada en el relato de José Donoso “Naturaleza muerta con cachimba”, hace mención a un cuadro de un pintor desconocido en los medios, pero cuya obra es de una profundidad inédita para las artes plásticas locales.

Llena de detalles, la película se filma en la costa, utilizando laberínticas locaciones y un estilizado ritmo poco utilizado en los autores nacionales. La película se constituye como una verdadera rareza en la filmografía del autor: si bien recurre nuevamente a la traducción en imágenes de un texto de Donoso, por vez primera utiliza la comedia, además de ser un oasis en un periodo en que los estilos narrativos comienzan a mutar influenciados por la cultura de medios, la televisión y la introducción y masificación del video como lenguaje.

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Bhappy

Año: 2003

Duración: 90 minutos

Dirección: Gonzalo Justiniano

Producción: Carlo Bettin, Gonzalo Justiniano.

Guión: Fernando Aragón, Sergio Gómez, Daniela Lillo, Gonzalo Justiniano.

Fotografía: Andrés Garretón

Montaje: Danielle Fillios

Sonido: Mauricio Molina

Música: Cuti Aste

Interpretes: Manuela Martelli, Eduardo Barril, Lorene Prieto, Felipe Ríos, Ricardo Fernández, Gloria Laso, Juan Pablo Sáez.

Sinopsis

Ambientada en las cercanías de Valparaíso, narra el reencuentro familiar entre una madre y su hija con el padre que viene saliendo de la cárcel y su hermano, y como este nuevo escenario traerá una serie de consecuencias en las vidas de todos, sobre todo en Kathy, la quinceañera hija de esta nueva idea de familia muy lejana al ideal.

Reseña

La séptima película de Gonzalo Justiniano marca el debut absoluto de Manuela Martelli, quien por su rol de Kathy se hizo merecedora del premio a la mejor actriz en el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana 2003. Este dato nos revela una de las grandes capacidades del cineasta: el descubrir nuevos talentos, situarlos en pantalla y extraer lo mejor de si mismos al momento de la interpretación. Ganadora de otros seis premios internacionales, B-Happy mantiene aquella gran temática que el autor había explorado en sus filmes anteriores: la pulsión sexual desarrollada en los sectores sociales más bajos, en donde las posibilidades de surgimiento están emparentadas con el sexo, la violencia y el conflicto con la ley.

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Bastardos en el Paraíso

Año: 2000

Dirección: Luis R. Vera

Producción: Latinordisk films, TVL

Guión: Luis R. Vera

Fotografía: Sammy de la Cruz

Montaje: Leif Eiransson

Música: Daniel Bingert

Duración: 110 minutos

Interpretes: Camilo Alanís, Lotta Kalge, Daniel Ojala, María Eugenia Caviares, Pablo Vera Nieto, Raquel Baeza, Freddy Bylund, Patricio Zamorano.

Sinopsis

La película narra la difícil inserción de los extranjeros en una fría sociedad sueca, donde conviven, y sobreviven, latinos e hijos de latinos estigmatizados por el racismo.

Reseña

Luis R. Vera emigra en 1973 a Perú y posteriormente a Rumania, donde estudia Cine y Televisión, realizando algunos cortometrajes y documentales. Posteriormente se traslada a Suecia, donde reside por largos años antes de volver a Chile a realizar su primera película, “Hechos consumados”, en 1984.

Vera vivió de cerca la discriminación que sufre una de las colonias más grandes de chilenos que existe en el mundo, al vivir alrededor de catorce años en Estocolmo, en una sociedad absolutamente distinta a la nuestra. “Bastardos en el paraíso”, una película filmada con muy bajo presupuesto, en formato video y con cámara en mano, profundiza en los conflictos que se producen al enfrentar dos culturas absolutamente opuestas, donde los latinos deben reunirse entre ellos ante el rechazo de una parte de la población nórdica.

La película causó gran revuelo en Suecia, ya que funcionó como un espejo inapelable frente a las reacciones que se tornan habituales para los inmigrantes pero invisibles para el grueso de la población. Retoma en esta película además el conflicto del desarraigo y la lejanía, temáticas constantes de un autor prolífico de nuestra cinematografía.

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Archipiélago

Año: 1992

Dirección: Pablo Perelman

Producción: TVE, Channel 4, Imma Films

Guión: Pablo Perelman

Fotografía: Gastón Roca

Montaje: Fernando Valenzuela

Música: Jaime de Aguirre

Duración: 77 minutos

Interpretes: Héctor Noguera, Ximena Rodríguez, Tito Bustamante, Mauricio Vega, Alicia Fuentes.

Sinopsis

Narra la historia de un arquitecto que, días después del Golpe de Estado de 1973, debe organizar labores clandestinas de organización política.

Reseña

Pablo Perelman, cineasta que se inicia en 1974 con “A la Sombra del Sol”, y tras realizar la censurada “Imagen latente”, filma su primera película en democracia, un ejercicio narrativo que se conecta con otros films del periodo que retoman el tema de la memoria tras años de Dictadura y que profundizan en los quiebres sociales como son “La Frontera” de Ricardo Larraín, “Amnesia” de Gonzalo Justiniano o “Los Náufragos” de Miguel Littín. En todas ellas se ve una mirada nostálgica de la pérdida de los ideales, de un pasado fracturado, donde aflora el miedo, la persecución, los horrores del despojo de los seres queridos y del distanciamiento. Perelman desarrolla este proyecto desde 1988, año en que su película “Imagen latente” es rechazada por el Consejo de Calificación Cinematográfica bajo argumento de promover “la vigencia de la teoría de clases”, al tratarse de un film que recrea la búsqueda de un detenido desaparecido a manos de los militares, basado en el caso verídico del propio director. En 1990 inicia la filmación de esta película, con el apoyo de fuentes de financiamiento españolas, filmándose en Chiloé y Santiago. Posteriormente la película se exhibiría en Cannes.

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