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Archive for the ‘Films 2000-2010’ Category

1-. Circunstancias que rodearon el nacimiento del film.

mamiteamo_okMami te Amo es una producción de la Escuela de Cine de Chile; es la primera tesis de largometraje escrita y dirigida por una persona y no por un grupo de graduados de la misma especialidad. Fue la primera generación en evitar la co-dirección que se practicaba anteriormente, en donde todos los alumnos dirigían la misma película agrupados en la mención que les correspondía. De esta manera solían haber 5 directores, 4 directores de fotografía, algo mas de sonidistas y post productores, etc… Así se llevaron acabo películas como Pagina 5, Juegos de Verano y Los Bastardos. La otra opción recurrente era, por el contrario, que cada equipo dirigiera un cortometraje basados en un tema común y juntarlos, hecho que para nosotros no significaba una autentica experiencia de largometraje. Con ese sistema la Escuela produjo Historias de Sexo y Fragmentos Urbanos. La reflexión unánime del curso, era que ese modelo iba en contra de lo que nosotros buscamos en el cine: películas que se destaquen por su singularidad y no por medidas de consenso. En un medio plagado de ambiciones de industria, para nosotros la respuesta no estaba sólo en la técnica sino en la formación de autores, y teníamos pruebas incipientes de ello que nos sirvieron fundamento. Experiencias muy cercanas a la Escuela como Sábado, La Sagrada Familia y Rabia, fueron referente obligado para el proyecto; se trataba de películas de bajo presupuesto, con una dramaturgia personal y luego bautizadas “astutas”, es decir proyectos posibles desde la escritura. Este sistema se sigue practicando en la Escuela de Cine de Chile y genera alrededor de 6 largometrajes por año.

2-. Elaboración y construcción del guión.

El proceso total de escritura del guión fue de 1 año y desde el principio fue tutoreado por el dramaturgo Benjamín Galemiri. Con él comencé a trabajar años antes como su ayudante de guión en la Escuela y en el Taller Guión de Autor en la Cineteca del C. C. Palacio la Moneda y continúo haciéndolo. Por su método y la amistad que nos une, el enfoque de su asesoría fue justamente el de la relación personal con la historia, y por sobre todo, la búsqueda de un lenguaje auténtico para contarla. En las escuelas de cine es frecuente perderse en referentes culturales que nos fascinan, pero sin embargo muchas veces no nos pertenecen como tema o enfoque, por ello, la primera etapa de la tutoría consistió en hacer consciente las partes de la construcción y luego ubicarlas en un sistema elocuente. La historia se originó desde algunas imágenes principales: una madre alejándose de su hija cuando le deja en la micro, un camino con un espejo roto, una madre bañándose en un baño blanco con vapor blanco, entre otras. Y por otro lado, desde conceptos, como la ceguera, el ocaso (o el paso de la luz a la oscuridad), la dualidad, la asimetría, etc. A partir de estos elementos, se empezaba a formar un relato que se fue afinando y tomando un camino propio, porque no partió de la anécdota, sino de la imagen y la estructura. El trabajo de este último punto también ocupó un lugar importante, partimos de la idea de que no sería una película de conflicto central, sino de conflicto desplazado y repetición. Los personajes no progresarían sino quedarían estancados, y más que conocer algo, el personaje plantearía un enigma.

También a través del concepto de la dualidad, la puesta en escena fue apareciendo tenuemente. Y al mismo tiempo que la “historia particular” de la protagonista y su conflicto de identidad, la ciudad de Santiago dejó de ser un telón de fondo y comenzó a tomar un protagonismo inmanente como “la gran historia” que atraviesa la anterior, y que en este caso establece un símil entre ambas: el conflicto de la niña es trasladado al de una ciudad en pleno crecimiento, pero una sin orden ni dirección, donde la proliferación desordenada e inconstante de relaciones desemboca en la incertidumbre del territorio, en la falta de identidad.


3-. Problemas particulares de la puesta en escena del film.

Toda esta serie de proyectos del largometraje fue posible en gran medida gracias a la tecnología de Alta Definición, y fue requisito. Como equipo, nos planteamos la idea de no disfrazar el digital y trabajarlo como cine, sino explorar en su visualidad, mezclando otros soportes digitales como Hi8, VHS, Mini DV, además de cristales y todo tipo de elementos que distorsionaran y ensuciaran la alta definición. Esta idea fue utilizada, pero con gran dificultad en tanto a compatibilizar estas texturas con la narración y darles continuidad. Por otro lado se trató de un rodaje inevitablemente corto y agitado (10 días), por razones académico- presupuestarias, con poco espacio para volver a reflexionar sobre las imágenes en el espacio, mas bien obedeciendo diligentemente –y en la medida de lo posible-a las imágenes planteadas en el guión. A eso hubo que sumarle la dificultad real de trabajar con niños. La atención y persuasión que demandan significaba un esfuerzo adicional. El proceso de montaje fue también encarado a través de conceptos preestablecidos, como la anti-sentimentalidad- a través de cortes duros, música de contrapunto, no variación de la velocidad, etc. Pero fue sin duda en la post producción técnica que surgieron la mayor cantidad de problemas, por tratarse de el primer equipo en enfrentarnos a equipos de alta definición y sus particularidades.

4-. Estimación personal del resultado comercial y artístico de la película respecto a las esperanzas iniciales.

Desde la escritura del guión, el rodaje y el montaje, la película siempre nos fue sorprendiendo. El proceso había sido planteado desde la innovación, evitando fórmulas conocidas, en ese sentido la apuesta era grande, y por momentos se benefició mas la experimentación que el estatus técnico, por lo tanto se podría decir que el resultado final fue ambivalente. Es una película con varias asperezas técnicas, que mas allá de las intencionales, como el montaje duro, atmósferas ruidosas, etc… a veces se nos fue de control. Por otro lado creo que es la película que tenía que ser; auténtica en sus aciertos como en sus flaquezas y que por sobre todo, toma riesgos.

Por tratarse de una película de tesis dentro de un marco pedagógico, no estaba garantizado el estreno de esta mas allá de festivales. En ese circuito fue que Mami Te Amo comenzó a ser vista, ya desde su primer corte en construcción en el Festival de Cine de Valdivia del 2007, en donde sacó una mención especial del jurado. Luego de esto fue estrenada compitiendo en el Festival Latinoamericano de Toulouse, Francia, estuvo también en competencia en el Festival de Nuevo Cine de Pesaro, Italia. En Chile nuevamente en Valdivia y Viña del Mar y fue la primera ganadora del Festival de Cine B, un espacio creado principalmente por la Escuela de Cine de Chile para exhibir el material alternativo que se esta produciendo dentro y fuera de la Escuela. El premio del festival incluía el estreno en el Cine Arte Alameda (probablemente el único espacio en Chile para este tipo de películas), dando como resultado un estreno comercial con mas de 6 semanas en cartelera, muy buenas críticas y poquísimos espectadores.

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1-. Circunstancias que rodearon el nacimiento del film.

valderramaTodo empezó con el cortometraje de titulación de la Escuela de Cine que dirigí en 1999. Lo filmamos en un momento complicado para mí. Tenía una hija recién nacida, y necesitaba urgentemente ponerme a trabajar en lo que fuera (que terminó siendo en un banco). Daniel Henríquez Ilic, el sonidista, cayó enfermo el día del rodaje, y decidí filmar igual, tomando sonido de referencia. Después de varios años el cortometraje siguió inconcluso, y cuando decidimos rehacer todo el sonido, nos demoramos otros dos años en completarlo. Al final, ni siquiera me gustaba el corto en sí, y apenas lo completamos lo guardé. La Escuela de Cine lo envió al concurso de cortos de Uniacc, donde ganó el premio a la mejor película. El premio lo entregó Alex de la Iglesia, y yo no me enteré hasta como tres semanas después de la ceremonia. Ni siquiera sabía que había concursado.
El premio en sí consistía en 12 latas de película virgen que entregaba Kodak. Al no poder cambiarlas por plata en efectivo, me obligaban a filmarlas. Pensé en escribir un guión muy barato de producir para poder usar esas latas consiguiéndome la cámara y trabajando con amigos, filmando en mi propia casa y todo. Ese guión lentamente empezó a crecer, y una vez que ya tenía forma empezaron a asociarse los distintos involucrados. Nicolás Saavedra fue el primero, y luego, René Martín, que fue el asistente de dirección de la película, me dijo que le había contado la historia a Alberto Fuguet, y que le interesaba leerse el guión porque estaba armando una productora de cine con otros socios y les podría interesar. A esas alturas yo estaba bastante complicado porque no me animaba a dirigir y producir yo solo el proyecto. Les envié una copia del guión y a los pocos días tuvimos una reunión donde ellos me ofrecían producir la película. Uno imagina que normalmente es al revés, pero en este caso resultó así. Fue ahí donde empezó a echarse a rodar con más fuerza esa bola de nieve que es empujar un proyecto como éste.

2-. Elaboración y construcción del guión.

El guión lo escribimos entre mi amigo novelista Carlos Labbé y yo. Trabajamos juntos del siguiente modo: Nos juntábamos dos o tres veces a la semana por un par de horas. En ese rato, aprovechábamos al máximo el tiempo abordando los problemas del guión en una conversación abierta, tratando de encontrar las mejores soluciones posibles. Dado que una vez que el guión estuviera completado yo seguiría en la larga y complicada etapa de preproducción, rodaje y post y él no (es decir, que a mi me tocaría dirigir nuestra historia), teníamos el acuerdo explícito de inclinarnos a resolver más que nada mis propias inquietudes frente al guión. Distinto hubiera sido si juntos hubiéramos escrito una novela, donde nuestros roles serían equivalentes. Eso me parece importante de dejar en claro desde el principio, para tener los egos de lado y saber qué objetivo estamos cumpliendo: no es escribir una historia juntos, sino crear el mapa básico de un proceso mucho más largo. Lo cual no quiere decir que solo había que darme en el gusto a mí. Una de las gracias de trabajar de este modo es que permitía que él tuviera una saludable distancia crítica frente a la historia, algo que yo no tenía, por estar tan encima.
Después de cada una de esas reuniones, donde yo apuntaba las ideas y soluciones que surgían, Carlos se iba y yo seguía escribiendo, pasando en limpio los apuntes para tener una nueva versión de la historia para la reunión siguiente. Antes de la reunión volvía a leer el texto, anotando los problemas que encontraba, que eran los puntos que abordábamos directamente en la reunión.
Tratamos de dejar el formato de guión y los diálogos para lo último. Construimos el argumento a partir de la idea precisa de contar lo que ocurre en una casa visto por los tres personajes que viven en ella, y donde cada uno vive una película de un subgénero distinto. Uno vive una comedia romántica, otro una comedia fantástica, y el último una comedia negra. Esa era la premisa inicial.
El tratamiento de veinte páginas que escribimos ganó el fondo CORFO, que nos permitió concentrarnos en trabajar en él de modo sistemático durante un año.
El tratamiento lo fuimos haciendo crecer en descripciones y detalles, hasta el punto en que casi pedía a los gritos ser dividido por locaciones y tener diálogos. Eso entró mucho después en la trama. Mucho tiempo invertimos en resolver los problemas de continuidad entre una historia y la otra, que ocurren al mismo tiempo. Mientras un personaje entra corriendo a la casa había que tener cuidado que en ese momento estaba ocurriendo otra cosa en la casa en otra historia, y hacer calzar todas esas conexiones. Todo eso nos llevó a confeccionar un calendario donde marcábamos qué ocurría donde y cuando según las historias. Encima, uno de los personajes viajaba en el tiempo, por lo que complicaba todavía más la continuidad. Fue bastante demandante.
Finalmente, en la primera versión de guión, que era bastante larga, nos dimos cuenta de la diferencia grave de tono entre la historia de Rocío, la chica, que era más romántica y seria, en contraposición con las otras dos, las de Vladimir y Jorge, que eran mucho más rocambolescas y absurdas. La diferencia de tono hacía que costara “entrar” en el relato, y se hacía pesado ver terminar la segunda y empezar la tercera. Carlos Flores me sugirió eliminar completamente la primera, y ahí el guión se levantó. Empezaba directamente con Vladimir metiéndose en una cama ajena, estableciendo el tono de la película y el perfil de personaje de inmediato. Solo entonces, cuando se volvieron dos historias, es que hizo falta conectarlas de un modo más fuerte, y fue recién ahí cuando incluimos la idea de la malta con huevo, que era algo bizarro, muy chileno, y sonaba ridículo.
Lo cierto es que nunca dejamos de escribir el guión, hasta el mismo rodaje seguimos haciendo correcciones, sin parar.

3-. Problemas particulares de la puesta en escena del film.

En general no tuvimos grandes problemas en la logística de la producción. Siempre pasan algunas cosas, pero lo más grave que recuerdo fue un día que llovió y teníamos que hacer la escena del entierro, al aire libre, de amanecida. Tuvimos que suspender, lo que nos significó agregar media jornada al plan de filmación. De 24 días pasamos a 25. Fuera de eso, lo más exigente físicamente fueron dos noches completas que pasamos en la plaza del barrio, ubicada en la comuna de Macul. Ahí filmamos a Vladimir huyendo del grandote de la botillería y luego la escena del crimen. Como Javiera Díaz de Valdés llevaba un vestuario muy ligero y veraniego, pasarnos esas dos noches fueron muy frías. Estábamos en abril, pero ya de noche la temperatura bajaba muchísimo. Todo eso pone algo más nervioso al equipo, y todo anda más lento. Encima, creo que ya era el final de la semana que filmamos de noche, y al cabo de varias noches completas así, el cuerpo se resiente mucho. Encima, había una iglesia en la plaza, y coincidió que era domingo de ramos, el final de la semana santa. Hubo misa de gallo, con campanadas y asistencia. Eso dificultó algunas horas, que siempre son demasiado pocas.
Como sea, la primera semana de rodaje fueron los exteriores de día, que resolvimos bastante bien. Lo que cuento fue la segunda semana, toda de noche. La tercera y cuarta semanas estuvimos siempre dentro de la locación principal, la casa de los chicos, donde estábamos muy cómodos. El equipo de arte había ambientado toda la casa, por lo que podíamos filmar en todas direcciones, y además disimulamos el hecho de que la casa tenía un segundo piso. Dos piezas y un baño, que usamos para vestuario y maquillaje, y para un escritorio para producción y asistencia de dirección. Eso mantenía un segundo ambiente aislado del set, por lo que acomodaba mucho a quienes podían descansar un poco, para que los actores tuvieran un espacio aparte, y para el trabajo de avance que se estaba haciendo constantemente.
Algo que me di cuenta en el set fue que decidir hacer una comedia fe un buen acierto para una primera película. Crea un clima alegre y relativamente distendido, donde se presta para que surjan bromas que eventualmente puedan incluirse en la escena. Hay una camaradería diferente a la de un equipo realizando un drama. No más apegada necesariamente, peor sin duda más alegre, lo cual siempre es una ayuda en una producción de bajo presupuesto.
Finalmente, supongo que en todas las producciones de cine el principal problema es el mismo: el tiempo nunca es suficiente.

4-. Estimación personal del resultado comercial y artístico de la película respecto a las esperanzas iniciales.

¿Qué puedo decir? Hacer esa película fue un sueño, y la fuente de mis mayores satisfacciones. Trabajar con pocos recursos limita ciertas situaciones, pero al mismo tiempo te da una enorme libertad; te libera de hacer compromisos. En ese sentido hicimos la película que imaginé, con el aporte de todos los involucrados. Un trabajo de este tipo, de mediana envergadura, larga elaboración y limitado presupuesto, hace que los participantes trabajen motivados ante todo por las ganas de hacer la película, más que por beneficios económicos o estratégicos. Ese amor por lo que se pueda conseguir en conjunto es algo muy palpable, que no se siente con tanta intensidad en un set de televisión, o de comerciales.
Lo demás, tras el estreno, es una lluvia de emociones, agradables y desagradables. Es difícil estar preparado emocionalmente para algo que te sobrepasa tanto. Porque es algo muy personal, que has empujado a puertas cerradas durante demasiado tiempo. Con colaboradores, pero siempre en privado. Y de pronto está en la calle, en los cines, en todos lados, y tú quieres y necesitas que todo el mundo la vea. Y todo, el mundo que conoces se entera de este asunto. Todo mundo va a opinar lo que le venga en gana de tu trabajo, con perfecto derecho, más encima. Gente que conoces y quieres, gente que no quieres tanto, y mucha, mucha gente que ni siquiera conoces, incluyendo a los críticos. Y con los costos económicos involucrados y el estado inmediatista de la industria mundial del cine hoy por hoy, tu película pasa a ser un negocio mucho más que un asunto personal. Es complicado, entiendo que mucha gente no tenga el estómago para bancarse algo así.
Desgraciadamente, quedé hecho un adicto. Quiero más.

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Año: 2002

Duración: 90 minutos

Dirección: Jorge Olguín

Producción: Verónica Cid y Jorge Olguín

Guión: Carolina García, Jorge Olguín

Fotografía: José Luís Arredondo

Montaje: Jorge Olguín

Sonido: Pepe de la Vega

Música: Rodrigo Cuadra y Gamal Eltit

Interpretes: Juan Pablo Ogalde, Blanca Lewin, Patricia López, Claudio Espinoza, Carlos Bórquez, Willy Semler, Consuelo Holzafpel, Jorge Denegri

Sinopsis:

Cuatro amigos comienzan a involucrarse en los juegos de rol sobre vmpiros. Esto los llevará a vivir una serie de fantasías que pronto comenzarán a hacerse realidad.

Sobre la Película

Segundo largometraje de Jorge Olguín. Olguín pertenece a la camada de directores que realizan estudios en las escuelas de cine que abren luego del retorno de la democracia.

Estudia en la Universidad Arcis, en donde se titulará de director de cine. Junto a sus compañeros universitarios realiza una serie de cortometrajes en video y 16mm, en donde destaca “Un Héroe Llamado José” (1998), premio al mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cortometrajes de Santiago y “El Reo Jesús” (1999), premio al mejor cortometraje nacional y al mejor director en el Festival Chileno Internacional del Cortometraje. El año 200º estrenará su primer largometraje, el cual será denominada como la primera película de horror chilena: “Ángel Negro”. Realizada con un mínimo presupuesto con sus compañeros de universidad, la película generará un culto que instalará a Olguín como un director a seguir, gracias a la instalación de claves propias de un género jamás desarrollado por nuestra cinemaografía. Gracias a Ángel Negro Olguín conseguirá rodar con mayor presupuesto, pero siempre siguiendo una estética y diseño de producción de película B, su segundo largometraje: “Sangre Eterna”. Con esta película Olguín continúa desarrollando cine de horror, pero esta vez ligado al mundo de los vampiros y los juegos de rol. Así logra madurar su propuesta estética y realizar una serie de artilugios técnicos que la película requería para conquistar los mercados de cine fantástico y horror alrededor del mundo, hecho que queda demostrado en el premio a los mejores efectos especiales en la Semana Internacional de Cine Fantástico de Málaga y su nominación como mejor película en el influyente Festival de Cine Fantástico Fantasporto.

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Año: 2003

Dirección: Matías Bize

Producción: Matías Bize, Gabriel Díaz

Guión: Julio Rojas y Paula del Fierro

Fotografía: Gabriel Díaz

Música: CHC, Bitman & Roban

Duración: 65 minutos

Interpretes: Blanca Lewin, Diego Muñoz, Antonia Zegers, Víctor Montero, Macarena Teke, Sebastián Layseca, Gabriel Díaz

Sinopsis

En el día de su matrimonio, una mujer recibe la visita de otra que le comunica que está embarazada de su futuro esposo, develando su infidelidad. En un recorrido en tiempo real vemos qué hace la novia tras recibir esta noticia que cambia su destino.

Sobre la Película

“Sábado” es una de las primeras películas de los jóvenes realizadores post dos mil, una generación que no supera los 30 años, egresados de escuelas de cine y que utilizan el video abaratando costos de producción.

Matias Bize, ex estudiante de cine, realiza esta película a los 23 años, con un presupuesto bajísimo y solo una cámara de video, pero con un trabajo de guión y de actuación mucho más elaborado que un film comercial.

La película cuenta además con un condimento adicional: es grabada en un largo plano secuencia, recreando el recorrido de una mujer que renuncia a casarse por descubrir una infidelidad del que sería su esposo.

Desprejuiciada, con un lenguaje coloquial, sin grandes pretensiones y con un desparpajo narrativo no visto desde los años sesenta, “Sábado” se inscribe en la historia del cine nacional como una renovadora del lenguaje de comienzos del siglo XXI.

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Año: 2002

Duración: 102 minutos

Dirección: Valeria Sarmiento

Producción: Gerardo Herrero

Guión: José Triana, Valeria Sarmiento

Fotografía: Acácio de Almeida

Montaje: Carmen Frías

Sonido: Gilles Ortion

Música: Paquito D`Rivera, Oriente López

Interpretes: Luisa María Jiménez, Juan Luís Galiardo, Daisy Granados, Abel Rodríguez

Sinopsis

Rosa la China es una atractiva cantante de cabaret en la Cuba prerrevolucionaria de la década de los 50’. Sostiene un tórrido y secreto romance con Marcos, a espaldas de su esposo Dulzura, jefe del hampa local.

Sobre la Película

Sarmiento inicia estudios de filosofía, los cuales cambiará por el ingreso en 1968 a la recién fundada carrera de cine de la sede de Valparaíso de la Universidad de Chile. Lamentablemente para sus pretensiones la carrera inicia una huelga al año siguiente, por lo que decide trasladarse a Santiago. Allí realizará labores de montaje junto al destacado montanista Carlos Piaggio. En 1972 Editorial Quimantú y Televisión Nacional le encargan a ella y su pareja Raúl Ruiz la realización de tres documentales que buscaban rescatar la figura de personajes y artistas populares: “Los Minuteros”, “Poesía Popular, la Teoría y la Práctica” y “Nueva Canción Chilena”. De ese mismo año es su película “Un Sueño como de Colores”, documental en donde desarrolla las historias de las mujeres que trabajan desnudándose en cabarets. Luego del Golpe Militar se exilia en Francia, transformándose en la montajista de Ruiz y la autora de una serie de documentales y ficciones, en donde destacan “Gente de Todas Partes, Gente de Ninguna Parte” (1979), “El Hombre Cuando es Hombre” (1982), “Mi Boda Contigo” (1984) y “Amelia López O’Neil (1990). El año 2002 estrena “Rosa la China”, melodrama ambientado en la Cuba prerrevolucionaria de la década del 50’, en donde se sirve de la estructura del radio teatro para narrar la historia de pasión y engaño de Rosa, Dulzura y Marcos. Así asistimos a la representación de la representación, gracias a la voz en off del relator que nos va interiorizando en las vidas de este trío de personajes, historia que es escuchada con la misma pasión por los auditores. La película es una coproducción entre Portugal, Francia, España y Cuba, y contó con el apoyo del Fondo Ibermedia que estimula este tipo de coproducciones.

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Año: 2004

Dirección: Nicolás López

Producción: Sobras Producciones

Guión: Nicolás López, Beatriz Santana

Fotografía: Chechu Graf

Montaje: Diego Macho

Música: Manuel Riveiro

Duración: 90 minutos

Interpretes: Ariel Levy, Xenia Tostado, Benjamín Vicuña, Nicolás Martínez, Berta Muñiz, Fernando Larraín, Tatiana Astengo, Fernando Farías, Ernesto Vellón, Eduardo Bertrán, Juan Andrés Salfate.

Sinopsis

Un jóven muchacho fanático de los cómics alucina con ser un super héroe. Su imaginación es tan fértil que lo hace vivir una vida paralela en contraposición a su monótona cotidianeidad.

Sobre la película

Una película inédita en la filmografía local es “Promedio rojo”. Heredera de la estética del cómic, el video juego y el video clip, pero también del humor negro norteamericano, la comedia española y la ciencia ficción, la película es un híbrido pocas veces visto en los sets locales, desde un guión desenfadado hasta la utilización del marketing, pasando por la utilización de efectos especiales, gráfica 3D y una mezcla de actores profesionales con amigos del director. López, ex columnista de un suplemento juvenil del diario “El mercurio”, realiza su primer largometraje tras su incursión, en formato video, en el cortometraje, con dos películas que abordan temáticas escolares: “Florofilia”, que mostraba como un tipo sentía deseos sexuales por una planta, y “Pajero”, donde un estudiante busca imperiosamente masturbarse sin poder lograrlo.

La película es heredera de toda una visualidad de una generación nueva que no tiene prejuicio es sindicar como influencia el cine basura norteamericano, el cine de artes marciales de Hong Kong, las películas de súper héroes y la televisión, principalmente.

Tras su exhibición, el director sería ampliamente difundido en circuitos de cine fantástico, y que lo llevaría a sacar un cómic de la película, banda sonora y un lleno de fetiches del film.

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Año: 2005

Duración: 90 minutos

Dirección: Alicia Scherson

Producción: Sergio Gándara, Macarena Lopez

Guión: Alicia Scherson

Fotografía: Ricardo de Angelis

Montaje: Soledad Salfate

Sonido: Miguel Hormazábal

Música: Joseph Costa, Marc Hellner

Interpretes: Viviana Herrera, Andrés Ulloa, Aline Kuppenheim, Coca Guazzini, Jorge Alis, Juan Pablo Quezada, Francisco Copello, Marcial Tagle

Sinopsis

Un hombre pierde un maletín, y su matrimonio. Una joven mujer encuentra un maletín, y la posibilidad de vivir otra vida a través de la búsqueda del hombre a quién le pertenece.

Sobre la Película

Primer largometraje de Alicia Scherson. Bióloga de profesión, realizará estudios de cine en la reconocida Escuela de San Antonio de los Baños, Cuba. Allí dirigirá una serie de cortometrajes en video y 16mm, destacando “Gallo de Pelea” (1996) y “La Última Aceituna” (1998). En 1999 partirá a Chicago gracias a una beca Fulbright, en donde realizará un Master of Fine Arts en la Universidad de Illinois. En Norteamérica realizará una serie de videos experimentales, destacando entre estos “Crying Underwater” (2002), el cual es exhibido en el Festival Internacional de Cine de Rótterdam y gana el premio a Mejor Cortometraje Experimental en el Festival Internacional de Cortometrajes de Santiago. De vuelta en Chile se abocará a la realización de su primer largometraje, el cual es escrito por ella misma. La película será registrada en formato digital de alta resolución (HD Cam 24p), contando para dicha empresa con el concurso del destacado director de fotografía argentino Ricardo de Angelis, director de fotografía de “Hombre Mirando al Sudeste” de Subiela y “un Lugar en el Mundo” de Aristarain. El film trabajará la ciudad de Santiago como un espacio urbano lleno de colorido, el cual contrastará con el aparente gris devenir de los personajes. Serán los trayectos de estos, ese vivir la ciudad y recorrer sus espacios lo que marcará la posibilidad de encuentro entre dos personas de clases sociales muy distintas. Play obtuvo una serie de premios internacionales, destacando el de Mejor Dirección Novel en el reciente pero no por eso menos influyente Festival Tribecca de Nueva York y el premio Cámara Independiente en el tradicional Festival Internacional de Cine Karlovy Vary de Republica Checa.

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